麥當勞袋中的小樹

瞧～這色系、Logo不就是麥當勞嗎？再仔細一瞧袋中物居然是一棵充滿紅色楓葉的樹木，原來這是藝術家的創作，細緻的紙雕居然是用麥當勞的紙袋所製作而成，由藝術家Yuken Teruya所製作。

藝術家Yuken Teruya表示這雖然是普通的材質，但其背後理念帶著環保之意，提醒民眾外帶的包裝就代表著一棵樹木已被砍伐，而外帶的人數越多也代表著樹木的減少，提醒著大家減少包裝正是減少資源的浪費。

Yuken Teruya是一位日本藝術在瑞士、東京皆有展出他的個人特展，作品大多以細膩的紙雕藝術為主，精緻的紙藝及細膩的心思是他作品中最大的特色，有興趣的讀者們可走訪他的網站瞧瞧：yukenteruyastudio

(文編薛踢娜 來源 yukenteruyastudio & Mike Stilkey舊書的回收藝)

當我們正享用全球化的勝利果實 也在深掘想像力的墳墓

古老的中國神話，有頭猛獸名叫檮杌，身長兩尺，有著老虎的身形、人類的面孔，甚至還有對野豬般尖長的獠牙。這頭長相詭異的猛獸桀熬難馴，作惡多端，且痛恨明德之人。奇怪的是從來沒有人可以抓過這隻妖怪，鄉野傳說牠具有預知未來的能力，並暗中消弱人類意志，所以總可以輕易逃過劫數。

這段民間故事最後成了2012年的台北雙年展主題【現代怪獸／想像的死而復生】的緣起。而負責擔任這次策展工作的則是現年33歲的德國籍的國際策展人安森‧法蘭克(Anselm Franke )。而他明年一月更將出任柏林著名的藝術機構世界文化中心(Haus der Kulturen der Welt)視覺藝術及電影部門主策劃人，在國際藝術線上相當活躍。

由台灣文學史學家王德威近期的研究著作 〈歷史與怪獸〉作為靈感發想，將全球所面臨到的現代文明的危機與災難比作一頭中國神話的猛獸，來帶領觀眾們想像現代性根本的陰暗面與矛盾，以及深藏在現代性的解放承諾背後所蔓延的恐怖效應。策展人法蘭克希望透過一個神話般故事性的主題，帶出雙年展這個國際平台；經由藝術作品對歷史做一點想像，幫助觀者跳脫出既有的思考框架，重新審視自己在歷史上的立足點。

當我們正享用全球化的勝利果實 也在深掘想像力的墳墓

法蘭克出生於德國海寧根堡，其專業領域廣泛涉及劇場 、電影與建築。策劃無數國際性質的大型展覽活動，包括柏林影展「Forum Expanded」單元。曾任教於倫敦大學Goldsmiths學院柏林自由大學與紐約巴特學院等名校，並擁有豐富的學術著作，文章多發表在線上重要的當代藝術雜誌中的他，除了近年來才剛開始的博士學程，之前竟然從未接受過任何的藝術學術教育。

1998年，還是年輕小伙子的法蘭克便進入柏林人民劇場擔任電影／戲劇／歌劇導演—克里斯托夫‧史林根希福(Christophe Schligensief)的助理 (史林根希福為2011年第54屆威尼斯雙年展最佳國家館德國館的展覽藝術家)，並與法斯賓達(Rainer Werner Fassbinder)的戲劇班底共事。

當時的史林根希福正熱衷於政治活動，並創立了「機會2000(Chance 2000)」政黨。他善用極為戲劇式的行動來宣揚公民自決，建構出一種介於政治宣傳活動與電視秀之間的曖昧狀態。史林根希福帶給法蘭克最大的影響便是對「框架」的思考。「史林根希福是一個窮極一生都在挑戰極限的思想家。不論是一齣四個小時的電視秀或者是在大型歌劇院展演的戲碼，他不會是為了要填充這個時段而創作，他會不斷地去試探這個框架的權威，並挑戰被給予的限制。」法蘭克回憶道。

然而史林根希福以歇斯底里基底式的創作，使得法蘭克開始思考是否要繼續劇場這條路。「劇場與電視的工作節奏相當快速。在那樣的環境裡，你甚至沒有時間去思考一個影像背後所代表的意義。」脫離劇場之後，法蘭克便開始擔任柏林藝術工場當代藝術中心(KW Institute for Contemporary Art)策展人，爾後漸漸在策展領域嶄露頭角。

法蘭克說「一個策展人必須要與藝術有著非常強烈且熱情的關連；這個關連不但包含了與藝術作品的對話，貼近藝術家的生活，瞭解他的創作脈絡，還要能發現一件作品所能持有的最大潛力；能夠成為人類曙光的潛力。」法蘭克認為，策展人的工作就是在建構一個框架。在這個框架裡，策展人可以決定事物該被觀看的角度。而藝術家的工作便是打開人們固有的框架，並幫助他們構築並進入一個新的、更具想像力的框架。框架如同一面鏡子，它不但反映了我們的現在與過去，還有個人的主張。

「我們現在所經歷的是全球資本主義的勝利，同時也是想像力瀕臨死亡的危機。」當一切社會現象伴隨著副作用快速出現，人們只能去跟隨主流思想行動，再也沒有餘力去想像除了「正常」以外的事物。「所謂分化界線的邏輯始終強壓在我們的身上，不是嗎？帝國主義、殖民主義、國家、領土、種族⋯等等，這些框架總是逼得我們不得不總是在壞的選項中做選擇。選擇做台灣人好還是做中國人好？這顯示著歷史是如何囚禁人們的思想。

「台北雙年展是國際性的雙年展，它提供一個機會讓台灣的歷史與其他世界的歷史產生關係。觀眾可以從中觀察：同為地球上生活的我們共同享有的經驗是什麼？雙年展想提供的正是一個通往歷史脈絡的關連性，而並非是一種選擇性。選擇最終只會變成一種思想上的限制，我希望大家能夠正視我們正共同經歷的東西，比如說全球化這頭現代怪獸帶給我們的影響與衝擊。」法蘭克強調說。

現代漫畫始祖 葛飾北齋專書正夯





自畫像，天保10年（1839年）

 日本江戶時代畫家葛飾北齋不但是浮世繪大師，更是現代漫畫創作的始祖。葛飾北齋生前出版過代表作《北齋漫畫》，收錄了他四千多幅隨筆素描，以如同現代漫畫速寫筆觸的方式，描繪各式人物誇張表情、擬人化動物；葛飾北齋當時以「漫畫」命名這些作品，開創了繪畫的全新類別，也成為日本美術史上繪製漫畫的第一人。



     由法國國家圖書館版畫及攝影部門策展人巴吉拉（Jocelyn Bouquillard）、藝術史學家馬赫特（Christophe Marquet）編撰的法版《葛飾北齋漫畫》，收錄整理了法國國家圖書館收藏的六十幅的木刻《北齋漫畫》。法國國家圖書館特別以修繕古書的紙質，呈現葛飾北齋的誇張筆觸、速寫隨筆。《葛飾北齋漫畫》目前也引進了台灣。

    　被譽為「畫狂」的浮世繪師葛飾北齋，以融合工筆畫和西洋畫的彩色木版畫畫紀錄富士山景、妖怪百物語風景戲劇、情色春宮圖等聞名，他描繪富士山景的「富嶽三十六景.凱風快晴」尤為代表作。他當時出版《北齋漫畫》，則為方便傳授繪師的示範繪本。
 


駿州江尻

  

富嶽三十六景.凱風快晴

       

《北齋漫畫》收羅了庶民百姓的喜怒哀樂，也有鳥獸蟲魚、山川草木、日常生活中一般器物，稱得上是日本繪畫版的百科全書。葛飾北齋筆下多為鄉土氣味濃厚的農民、打鐵工等各種職人，兔、虎、各式海洋生物則被他繪製得擬人化，春宮圖更是有令人匪夷所思的角度和姿勢，完全展露他「語不驚人死不休」的性格與創造力。這部叢書洋洋灑灑十五卷，四千多張圖，直到北齋去世以後才出版完整。

                  

     《北齋漫畫》在十九世紀中期，隨著歐洲進口日本茶葉的貿易傳入歐陸。當時日本茶葉上的包裝紙，清一色以浮世繪版畫圖案為主，法國畫家布拉克蒙（Felix Bracquemond）便是當時將包裝在陶器上的《北齋漫畫》圖樣，介紹給印象畫派的友人，進而影響印象畫派畫風。像梵谷便曾臨摹多幅浮世繪作，他的名作《星夜》渦卷圖案就被認為絕對受到葛飾北齋《神奈川沖浪裏》的影響，馬奈的名作《吹笛少年》，則直接運用浮世繪技法。

 

神奈川沖浪裏



 

星夜  梵谷

 



    　法版的《葛飾北齋漫畫》二○○七年出版，收錄的六十幅圖畫，原來都是法國藝術評論家和貴族收藏家所有，後來由法國國家圖書館出資收藏，曾外借給日本展出過。書中圖畫分類為山和水、隨著氣候變化的植被、動物場景、人類的世界、男人的世界、作戰和武器的藝術、怪物世界。兩位作者曾以葛飾北齋筆下的鬼怪圖像為題推出專書《Hokusai, First Manga Master》之後，《葛飾北齋漫畫》是二度合作的葛飾北齋專書。



     

        無獨有偶地，日本去年也推出精心編修的日版《北齋漫畫》，由名設計師高岡一彌、美術史專家浦上滿、評論家中村英樹三人精選葛飾北齋作品共七百頁，並以三○.二乘以二一公分的超大開本、紅黑雙色印刷來呈現這本曠世鉅作。

 









【GLOBAL】城市美景填空題：樂高積木修城小。遊。隙。

記得一位設計師友人說，某一類的服裝設計師常常會用簡單的黑、灰、白基色去定奪整體服飾，可那太單調，還是更大膽的顏色更引人入勝。

很難想像我們的城市若沒有一點點記憶的色彩、跳動的光線折射，那會是什麼樣子，會不會灰暗地看不見陽光？跳動的顏色好像是年紀越輕的時候越喜歡，而我們的平凡日常是否也能出現跳躍的希望？

積木修城計劃藝術家作品＠柏林 (圖片提供／Jan Vormann) 

 積木修城計畫是由德國年輕藝術家Jan Vormann發起，他觀察到每個城市角落總有些微小的細縫和缺憾，而他透過童年的記憶－樂高，去完成每個頗具玩性的填補。

「Dispatchwork 積木修城計畫」傳染世界中
積木修城計畫「Dispatchwork」代表Dispatch（散佈）加上 Patchwork（補丁），巴塞隆納的破損石柱、紐約中央公園、德國柏林……，你能想像嗎，我們可以用這些自孩童時期就喜歡的小玩意，在長大後繼續造夢。

積木修城：藝術家作品＠紐約郵局 (圖片提供／Jan Vormann) 

積木修城：藝術家作品＠紐約蘇活區 (圖片提供／Jan Vormann) 

柏林、中國長城、紐約、東京、倫敦、雪梨、阿姆斯特丹、巴塞爾，全球已經有六十個城市響應，最初在響應地圖上沒有看到台灣的時候，多虧網友們熱心上傳，讓Jan Vormann看見台灣，深受感動。

而此回築城修復計畫，確實在台灣落地；台北東區－我們總是以為時尚指標、名人穿梭、多樣性品牌的聚集，透過這些形狀眾多，色彩鮮豔而且具自我風格的色塊積木，開始了填充心靈的夢想練習曲。

我們穿梭巷弄間，像是尋寶一樣，蒐集這城市的七彩印記給你。

積木修城：政大校園計畫（圖片提供：富邦藝術基金會)

同時啟動的還有商家響應：Cath Kidston、3NITY、Vivienne Westwood、HOME HOTEL、肯夢AVEDA、新光紡織（GARCIA）等，商家Stayreal的外牆是保存的最完整的，其他雖然零散，也看得出積木城的痕跡，有的甚至在原本就仿舊的外窗木櫺上建造「小遊隙」。

在接獲富邦藝術基金會的邀請後，Jan Vormann也十分期待能造訪台灣，為台北留下築城祝福，再透過計畫專屬的網路平台，與世界一同分享台灣經驗。
用積木填補城市縫隙，是轉角的藝術填空。

同時可以看見富邦藝術基金會的粉樂町系列活動在各家商店中進行，我們隨機選中的是日本吉田包的KURACHIKA店家，藝術家展出的作品是小人物們遊歷東京的攝影作品，似乎也和這個積木城的小世界不謀而合。

關於藝術，我想說的是…
不妨用我們最求美好事物的雙眼，以及費心追逐美好事物的雙腳，走遍巷弄小店，悄聲尋訪這類遺跡，填滿生命方塊的背景色，你會再次感動的。

【關於藝術家】
藝術家楊‧弗門（Jan Vormann）
楊‧弗門（Jan Vormann）1983 出生於德國巴伐利亞地區的古老小城班貝格，曾在柏林以及聖彼得堡的藝術學院就讀，主修雕塑，現定居於柏林。從2007年開始，弗門到處旅行，已在二十多座城市執行了他最著名的”Dispatchwork積木修城計畫”，也引起世界各地六十多處、超過百名的民眾自發性參與。除了積木修城計畫，弗門的創作也涵蓋雕塑與裝置藝術，表現手法雖然不同，但同樣是以創作回應自我對於四周環境的觀察，作品曾在巴塞隆納、維也納、阿姆斯特丹等歐洲藝術重鎮展出。

【更多相關資訊】
Dispatchwork全球網站：
富邦藝術基金會─積木修城計畫網頁
共同主辦｜台北市政府文化局、財團法人富邦藝術基金會
校園協辦｜國立政治大學藝文中心
指定住宿｜HOME HOTEL
圖片提供｜Jan Vormann
【文字整理、攝影：謝菌Nana　部分圖片提供：富邦藝術基金會(提供圖片皆已註明出處】

賞 畫 的 藝 術

(典藏今藝術)有一回去台北市立美術館看莫內（Claude Monet）的畫展，站在《藍色調的睡蓮》（Water Lilies, Harmony in Blue）前面，一個概念突然產生。這概念是，新時代的賞畫，應該要有新時代的方式，這裡，我所謂的新時代，指的是自從有了臉書這一類的社群網站之後。


我的意思是，當我們在網路裡逛來逛去之時，每回看到喜歡的事情，我們只需按一個「讚」，別人就知道我們的感受。同理，當我站在《藍色調的睡蓮》之前，覺得這畫真的是一幅讓我感動的畫作時，為什麼不可以也按一個讚？不行，因為美術館裡，並沒有地方讓我按讚。


其實解決這個問題很簡單，新時代的展覽，只要在畫作旁邊加裝幾個按鈕，讓賞畫的民眾可以即時表達他們的喜惡。這個按讚的動作擺進美術館，就是我講的新時代賞畫方式。
於是哪幅畫是這次展覽裡頭最受觀眾喜愛的作品便一清二楚，因為按讚的人最多；我們也知道觀眾站在哪幅畫前面時最是無助，因為除了「讚」，還有其他按鈕，有不少觀眾對這幅畫的反應是按了「看不懂」這按鈕。


科技進步，既然可以加裝按鈕，當然也可以擺個留言版，讓觀眾一抒己見：例如同是莫內的展覽，看到《在阿讓特港附近散步》（Promenade near Argenteuil）這幅畫，覺得，父親跟母親都有撐傘，卻不讓他們的小朋友撐傘，讓他在太陽底下散步，實在看不過去，於是可以對著留言版的麥克風留下這樣的內容，「我覺得莫內這樣子的心態，有違兒童福利法的精神」。

                            Promenade Near Argenteuil, 187  by Claude Monet

       

把最新的人際溝通觀念帶進美術館，除了按讚、留言，我們還可以做很多事情。

好比說，在網路上買了一本波洛克（Jackson Pollock）的畫冊，網路書店馬上告訴你，通常買波洛克畫冊的人，也會買德庫寧（Willem de Kooning），或者羅斯科（Mark Rothko），或者米契爾（Joan Mitchell）的畫冊。學習這模式，美術館其實也可以跟觀眾說明，通常喜歡這幅畫的觀眾，也會喜歡2A或者3C的哪幅哪幅畫，所以待會不妨移步到那幾個展覽室去欣賞那些畫作。這樣做，是不是很貼心？或者說，如果你連這幅畫也看不懂，那麼4C或者2D展覽室的畫，建議你也不必浪費時間了，因為保證你看不懂的啦。

Willem de Kooning  Untitled

Mark Rothko   無題  1968

Joan Mitchell | YVES 1991

賞畫賞到一個境界，應該讓畫作跟賞畫的環境合而為一，新時代美術館賞畫，就不得不把解說員也拉下水。比方說，展覽畢卡索（Pablo Picasso）早期的作品時，我們可以讓解說員穿上畫家在藍色時期「小丑」裡那種格子丑角裝，或者粉紅色時期「演員」的粉紅色戲服，此時，牆上掛的是大師的作品，展館裡為觀眾解說走來走去的，則是一堆彷彿從畫裡跳出來的人物，你說，是不是很夢幻。

Pablo Picasso  Family of Saltimbanques, 1905

其實，要讓畫作更具渲染效果，我們還可以考慮一些讓作品跳出二度空間的作法，例如，展覽孟克（Edvard Munch）《吶喊》（The Scream）的現場，如果襯托以聽了叫人抓狂的尖叫聲，是不是更加震撼？李奇登斯坦（Roy Lichtenstein）的「火雞」或者沃荷（Andy Warhol）的「康寶濃湯」（Campbell Soup）系列，在展場能夠聞到讓人食指大動的烤火雞或濃湯香味，保證讓大家看畫時更加投入。

Edvard Munch: The Scream, 1893

畫家創作，會隨著時代的更迭出現不同的流派、風貌，賞畫又何嘗不是如此。哪天，如果出現一種更新的技術，能夠將賞畫者融入畫作中，於是當我們在欣賞霍普（Edward Hopper）的《夜遊者》（Nighthawks）時，竟然發現同是夜貓子的自己，也坐在那家轉角咖啡店的櫃臺上和其他客人聊天，此時，於我而言，賞畫的藝術才算是達到最高境界。